Boris Smelov – fotograf cu o reputație impecabilă

Opera legendarului fotograf din Sankt Petersburg Boris Smelov atrage interesul istoricilor de artă, al criticilor, al teoreticienilor, al istoricilor și al pasionaților de fotografie. În 2009, Ermitajul a organizat cea mai mare expoziție de fotografii ale sale. Nici măcar o singură mențiune despre Petit-Boris nu lasă pe nimeni indiferent. De ce? Am încercat să răspundem la această întrebare citând diferite puncte de vedere, memorii și citate din Boris Smelov însuși.

Autoportret. 1997

Încă în viață, fotograful Boris Smelov a devenit o legendă a fotografiei din Sankt Petersburg.

– Vrei soare și lună, potop și zăpadă, toate în același cadru??? Dar este sfârșitul lumii?

– Da.

Din dialogul dintre Boris Smelov și Masha Snigirevskaya

Nicholas Bridge. 1995

Arkady Ippolitov

Cercetător principal, Departamentul de Fotografie a Europei Occidentale

de artă în Ermitajul de Stat,

autor și curator al expoziției „Boris Smelov. Retrospectivă”

Muzeul Ermitaj de Stat, 20 martie – 28 iunie 2009

În timpul vieții, fotograful Boris Smelov 1951-1998 a devenit o legendă a fotografiei din Sankt Petersburg, un clasic în viață, admirat de toți cei care au fost în vreun fel legați de arta fotografică.

Orice fotograf mai mult sau mai puțin vizibil din Sankt Petersburg a fost influențat de el. Imaginea pe care a creat-o despre Sankt Petersburg nu este doar o fotografie de calitate, ci cu siguranță cea mai expresivă declarație care a fost făcută despre acest oraș la sfârșitul secolului trecut, o declarație egală în importanță cu poezia lui Brodsky.

Opera sa este cel mai valoros și mai viu fenomen al culturii din Sankt Petersburg din anii ’70-’90., legat de Sankt Petersburg, dedicat Sankt Petersburgului și definit de Sankt Petersburg, dar în același timp atingând un nivel internațional, deoarece lucrările sale sunt comparabile cu cele mai înalte exemple de fotografie internațională.

Sunetul unui oboi. 1972

David Galloway. Orașul umbrelor. Orașul lacrimilor

Prof. David Galloway

istoric de artă contemporană,

critic de artă ARTnews, International Herald Tribune ,

editor al Art in America,

curator de expoziții internaționale,

autor și editor a numeroase cărți de artă

Este interesant să ne imaginăm cum ar fi reacționat Boris Smelov la revoluția digitală în domeniul fotografiei, care abia începea să se răspândească în lume în 1998, când a murit. Pe de o parte, fotograful a fost întotdeauna fascinat de noile tehnici fotografice și a deplâns adesea cât de dificil a fost să achiziționeze cele mai noi echipamente și materiale în Uniunea Sovietică, unde doar fotografia jurnalistică și de amatori era recunoscută oficial. Cu toate acestea, Smelov avea aparate de fotografiat de primă mână și imprima întotdeauna pe hârtie fotografică de înaltă calitate. Era evident pentru el că dezvoltarea tehnologiei duce în mod natural la schimbări calitative. Într-un interviu publicat în 1988, Smelov a opinat că apariția aparatelor foto automate și a noilor tehnici de developare și imprimare au lărgit „orizonturile creative, au îmbogățit imaginile fotografilor și chiar viziunea lor”. Dar nu era entuziasmat de nicio inovație: „Posibilitatea de a face o „carte” bună fără inteligență sau cultură comportă pericolul de a împietri fotografia”. Nu este surprinzător că a anticipat fenomenul pe care mulți l-au văzut mai târziu ca fiind reversul esteticii digitale care a inundat piața de artă la sfârșitul secolului trecut: fără o viziune autorală asupra lumii, fără poziția umană a artistului, rezultatele sunt „goale și reci”.

În reflecțiile lui Smelov despre fotografie, cuvântul cheie este întotdeauna „cultură”. Când a fost întrebat despre educația ideală pentru un fotograf, Smelov a răspuns că aceasta nu ar fi una tehnică, ci mai degrabă una filosofică, psihologică și de istorie a artei. Deși, potrivit multora, „imaginile vorbesc mai tare decât cuvintele”, merită menționat faptul că, printre subiectele importante pentru viitorul fotograf, Smelov a inclus în curriculum limbile străine.

Fotografiile sale erau mărturia unui maestru dedicat, care iubea filozofia lui Dostoievski, picturile lui Van Gogh și muzica lui Mozart, dar care citea și lucrările teoretice ale lui Siegfried Krakauer și Roland Barthes și era generos în aprecieri atunci când evalua munca colegilor săi. În domeniul fotografiei, preferații săi au fost Henri Cartier-Bresson și Josef Sudek, care l-au învățat cea mai importantă lecție: „Fiecare obiect din lumea materială are un suflet propriu.

La începutul carierei sale de fotograf, Smelov a realizat portrete ale artiștilor și scriitorilor underground, inclusiv ale lui însuși, și a lucrat uneori, cu mare succes, în genul naturii statice. Natură moartă cu o rodie 1988 și Natură moartă cu o oglindă spartă 1991 sunt adevărate capodopere ale genului. Acestea arată cât de multe știa Smelov despre pictura renascentistă.

Dar, în esența sa, a fost un fotograf și un cronicar al orașului – nu orice oraș, ci Leningrad Sankt Petersburg, unde s-a născut și a murit. El a continuat astfel marea tradiție a fotografiei urbane, care s-a născut în secolul al XIX-lea odată cu apariția acestei forme de artă. A fost epoca urbanizării și industrializării rapide. Contrastul dintre bogăție și sărăcie, dintre bulevardele însorite și aleile întunecate, dintre clădirile publice luxoase și casele de locuit dărăpănate, a fost o sursă inepuizabilă de inspirație pentru fotografiile sale.

„Tuchkov Lane” 1995 a lui Smelov arată că acest contrast a supraviețuit timp de decenii. În acest tablou, caracterizat de o compoziție geometrică strictă, vedem o bătrână care se sprijină pe un băț și pășește cu grijă de-a lungul unei benzi înguste de lumină, care este paralelă cu peretele fără chip al unei clădiri dreptunghiulare. Drumul ei traversează o alee umbrită, în adâncul căreia se văd mai mulți copaci: ar putea fi un parc, unul dintre motivele preferate ale fotografului. Umbrele din prim-plan provin în mod clar de la un copac care nu este vizibil în cadru. Limbajul opozițiilor este simplu, dar bogat și expresiv: lumină și întuneric, arhitectură și natură, om și peisaj urban anonim. Alte lucrări, inclusiv schițe sumbre precum „Man with a Bucket” 1974 și „The Wall” 1975 , nu au natură, există doar labirinturi sumbre în care locuitorii nevăzuți sunt adunați. Aceste lucrări reprezintă o perioadă deosebit de importantă și plină de evenimente în biografia creativă a lui Smelov, când a primit prima recunoaștere publică, dar în același timp a început să fie urmărit de autorități, care în 1975 i-au închis expoziția de la Palatul Culturii Vyborgsky și i-au confiscat lucrările.

În peisajele urbane ale lui Smelov nu se vede aproape niciodată o figură umană, iar acei oameni care apar, ca în „Two Figures in a Back alley” 1971 , sunt în esență figuranți fără nume, atrași de jocul interesant de lumină și umbră, dar nu ca indivizi. „Băiatul de argint” 1995 este o excepție izbitoare de la regulă: în această compoziție, figura umană constituie adevăratul centru. Dar majoritatea figurilor care apar în fotografiile lui Smelov nu sunt ființe umane: sunt statui de piatră într-un cimitir sau sculpturi care împodobesc o fântână sau un pod, precum centaurul care se balansează atât de elegant în „Pavlovsk, Centaur’s Bridge I” 1975 și „Pavlovsk, Centaur’s Bridge II” 1994 . Este interesant de observat că, în ultima lucrare, mediul natural este adus în prim-plan, în timp ce sculptura însăși este aproape complet ascunsă de umbră.

Smelov are, de asemenea, studii de arhitectură la limita abstracției geometrice. Lumina care cade în diagonală prin ferestre, arcadele care traversează granița dintre lumină și întuneric, scările în spirală și balustradele – acestea sunt, evident, motivele care l-au atras pe artist tocmai datorită formei lor. Dar Smelov, care era interesat de filozofia contemporană, ar fi putut vedea în ele conotații existențiale. O atmosferă de mister și tristețe domnește în aceste peisaje urbane din Sankt Petersburg – în parte pentru că Smelov a fotografiat rareori în lumina puternică a soarelui. Uneori vedem lumina slabă a serii în fotografiile sale, dar Smelov era cel mai mult atras de primele ore ale dimineții, când soarele abia începea să înlăture ceața de deasupra unui cimitir, a unui pod sau a unui loc de joacă. Umbrele din orele dimineții sunt lungi și adânci, astfel încât detaliile evidențiate ies în evidență foarte bine. Când ne uităm la fotografiile lui Smelov, vedem Leningrad/Petersburg nu ca pe orașul de lumină imaginat de arhitecții din timpul lui Petru cel Mare. Cu toată splendoarea acestui oraș, el este o lume a umbrelor și – adesea – o lume a lacrimilor. Într-un articol intitulat „After Raskolnikov: Russian Photography Today”, criticul John P. Iacob l-a numit pe Smelov „un maestru al școlii estetismului spiritualist”. Într-adevăr, seria „In Memoriam of Dostoievski” ar putea servi ca un fel de poveste despre întreaga operă a acestui artist, extraordinar de talentat și care se remarcă în arta fotografică.

Podul Sennoy. 1993

Boris Smelov. Din interviurile acordate de-a lungul anilor

Este nevoie de un mister

Fotografie sovietică. 1988. № 10.

– Ce înțelegeți prin succese și eșecuri??

– Cele mai mari eșecuri ale mele au fost întotdeauna în aspectele tehnice ale fotografiei, când, din cauza nerăbdării și a agitației, am pierdut iremediabil cele mai bune fotografii la fața locului sau în laborator. Iar norocul este coincidența aspirațiilor creative, o „premoniție a unei lovituri” cu rezultatul final. În general, mă consider un reprezentant al fotografiei emoționale și intuitive, iar atunci când fotografiez am încredere mai mult în sentimentele mele decât în concepțiile mele preliminare. Dar, în același timp – nu vă gândiți la asta ca la o mistificare – obișnuiam să visez o mulțime de imagini și apoi, ani mai târziu, le vedeam brusc cu ochii mei. Și sunt norocos dacă am aparatul foto și filmul la mine în astfel de momente.

– În opinia dumneavoastră, ce se poate și ce ar trebui făcut pentru a evita fotografia „impersonală”??

– Ceea ce ne lipsește astăzi este o teorie serioasă a fotografiei. Practic, nu există un aflux de energie tânără și proaspătă.

Problema educației fotografilor mi se pare extrem de importantă. Eu însumi, pe măsură ce îmbătrânesc, devin din ce în ce mai dureros de conștient de lipsa ei. Este interesant faptul că majoritatea fotografilor de astăzi au o pregătire tehnică, în timp ce ar fi mai util să aibă o educație în domeniul artelor liberale – filosofică, psihologică, istoria artei și, desigur, cunoașterea limbilor străine. La urma urmei, cineva trebuie să poată naviga cu ușurință prin istoria artei pentru a crea o nouă poveste. Un artist trebuie să cunoască trecutul poate chiar mai bine decât prezentul, pe care îl poate percepe la nivel intuitiv. Cultura unui autor se manifestă întotdeauna, într-un fel sau altul, în operele sale. Și cred că fără dragostea pentru filozofia lui Dostoievski, pentru picturile lui Van Gogh și pentru muzica lui Mozart, nu numai eu, ci și operele mele am fi mai săraci.

– O ultimă întrebare. Există o calitate pe care trebuie să o aibă o fotografie de succes??

– Există. Trebuie să existe un mister. În caz contrar, se pierd din vedere multiplele sale percepții.

Imaginea orașului

Subiect. 1995. № 1.

Orașul domină fotografia mea, deși în ultima vreme, pentru a-l face viu și numai din acest motiv , am acordat tot mai multă atenție oamenilor din oraș. Fotografiez în infraroșu pe peliculă specială. Obișnuiam să fotografiez cu emulsii de înaltă sensibilitate și filtre roșii pentru a obține un fel de St. Petersburg dramatic, condensat, concentrat. Ceea ce m-a fascinat la filmul în infraroșu este că oferă o nouă calitate și un efect grafic complet diferit. Dificultatea fotografiei este că este imposibil să faci o măsurare corectă a expunerii. Această peliculă este lipsită de sens în cazul aparatelor automate în care se introduce sensibilitatea. Aceasta este frumusețea de a lucra cu el: mai adaugi un parametru și uneori nu știi ce vei obține, în ciuda anilor de experiență. Cu cât trăiești mai mult, cu atât înțelegi mai puțin efectul luminii asupra emulsiei. Suntem obișnuiți să nu luăm în considerare radiația termică, dar aici temperatura obiectelor afectează expunerea generală, dar nu există absolut nicio modalitate de a măsura acest efect. Firește, trebuie să se facă duplicate, deși este păcat să se traducă materiale scumpe. Un alt lucru: focalizarea corectă pe acest tip de film este diferită de focalizarea pe un film obișnuit. Cerul este foarte întunecat, verdele este luminat, pare neobișnuit. Și de aceea este nevoie de o abordare specifică a compoziției care să țină cont de toate aceste particularități.

Filmarea pe peliculă infraroșie mă ajută să subliniez un anumit cosmopolitism al orașului, obiectele sale, epicitatea, semnificația, tragedia sa… Iar fotografiile realizate pe peliculă obișnuită pe timp de ceață, dată fiind limitarea sau lipsa fundalurilor, în esență doar prim-planul și această delicată cenușăreală perlată, subliniază un anumit lirism localizat. Dar trebuie să spun că, în ambele cazuri, în fotografiile mele prevalează o abordare romantică.

Casa mea

Dintr-un interviu din 1993. către editorul cărții „Winter Petersburg” 1997 .

– De cât timp fotografiați în general, inclusiv iarna?

– Probabil de când mi-au înghețat mâinile și picioarele la vârsta de treisprezece ani.

– Care sunt caracteristicile speciale ale fotografiei de iarnă pe care le puteți numi?

– Înghețată, când temperatura scade drastic, iar obiectivul se încețoșează sub jachetă și chiar și în carcasă, așa că aruncați o privire laterală la obiectivul aparatului foto înainte de a face fotografia!

– Ce este atrăgător în a fotografia orașul Sankt Petersburg, și în special iarna??

– Rough – fără murdărie. Într-o notă mai subtilă, tot ceea ce este conceput și, de altfel, întruchipat de toți arhitecții europeni. Iarna este cu siguranță ca Neva în timpul inundațiilor – purifică, dar într-un sens diferit.

– Ce momente de la filmările de iarnă vă mai amintiți??

– O rupere de acoperiș în timpul iernii: a reușit, ca o pisică, să se „strecoare” prin fereastra de la mansardă, dar poate degeaba..

– Ce ar trebui să aibă un fotograf pentru o ședință foto de iarnă?

– Cred că echipa Cousteau ar trebui să fie consultată în acest caz. Ar fi bine să le punem în Neva! Cu toată seriozitatea, pantofii sunt cheia. Valenki sunt buni, dar nu foarte buni. De ce? Perfect pentru mediul rural, dar să spunem că picioarele înghesuite nu-ți vor spori dexteritatea pe un acoperiș.

– Folosești regie de cadre sau te bazezi pe întâmplare??

– Intuitiv – când zăpada, un trecător, un pod, o casă se combină pentru a forma un lucru imuabil, adică o soartă.

– Cine v-a influențat dintre maeștrii fotografiei??

– O întrebare intimă. În sensul că punerea sa în scenă implică pentru o persoană obișnuită – cu cine semeni mai mult? Dacă e asta, o cumpăr, iar dacă e cealaltă, aștept până mori.

Din catalogul expoziției „Boris Smelov. Retrospectivă” la Muzeul Ermitaj de Stat

20 martie – 28 iunie 2009.

Mulțumim Fundației Boris Smelov pentru textele și fotografiile puse la dispoziție pentru publicare.

Pentru expoziția de la Ermitaj, albumul „Boris Smelov. A Retrospective” KERBER Publishers, 448 pp ., în limbile Românesc și engleză, 3500 de exemplare., Vândut în toate librăriile de artă din Europa și SUA .

Un iubitor de acrituri. 1975

Crinii pătați. 1987

Băiatul de argint. 1995

Vânzător de căței. 1972

Cuplul Florensky. 1981

Pisica albă. 1993

Uită-te în jos. 1975

Fântână în timpul iernii. 1987

Foto: Boris Smelov