Inconfundabilul Alexandru Kitaev și al său Sankt Petersburg

Expoziția lui Alexander Kitaev la Centrul de Fotografie Lumiere Brothers a fost un adevărat eveniment în viața culturală a Moscovei. Kitaev este unul dintre cei mai importanți fotografi din Sankt-Petersburg, organizator și curator a numeroase proiecte și, mai recent, istoric al fotografiei. În istoria înregistrărilor fotografice ale Sankt Petersburgului, de pe vremea lui Ivan Bianki până în prezent, își ocupă fără îndoială locul său, creând o imagine unică a orașului. Este pentru prima dată când subiectul principal și preferat al lui Kitaev, Sankt Petersburg, este reprezentat la o scară atât de mare. Expoziția cuprinde 130 de lucrări originale create de-a lungul unui sfert de secol.

Luna. 1995 g.

Alexander Kitaev din interviurile acordate de-a lungul anilor:

„Există o persoană „multitasker”, adică o persoană care cunoaște mai multe meserii de lucru. Sunt un fel de „polynoksychnika” în fotografie.

„Crezul meu se bazează pe ani de experiență: „Nu faceți niciodată ceea ce vreți să faceți astăzi. „Consider că munca din zilele noastre este o ordine, o violență împotriva creativității libere care ar trebui să răspundă doar la mecanismele interioare ale sufletului.

„La un moment dat mi-am dat seama că fotografia a absorbit orice altceva în mine, că pe lângă particulele roșii și albe din sânge, sângele meu este format din halogenuri de argint fotosensibile și fără senzația lor constantă nu sunt viabil, că fotografia a devenit modul meu de viață, de percepție și de comunicare. Era în jurul anului 1987.”.

„Camera trebuie să devină o extensie a mâinii și să elibereze capul pentru a se cufunda complet în crearea imaginii.”.

„… Sankt Petersburg este atemporal pentru mine și încerc să surprind miezul spiritual neschimbat al acestui oraș ca persoană. Este contradictorie, această Personalitate.”.

„Un portret nu va dispărea niciodată, pentru că fiecare persoană de pe această planetă este interesată în primul rând de ea însăși, de circumstanțele propuse sau presupuse. Pe de altă parte, un portret nu se potrivește cu jocurile rafinate, intelectuale și formale postmoderne ale artei contemporane. Pentru mulți artiști, acum este important să strige cât mai tare: „Sunt cel mai faimos artist din lume!!!”. Și nici măcar nu-i pasă dacă există un ecou. Iar într-un portret, artistul este întotdeauna pe locul doi, iar personajul pe primul loc. Iar portretul este adresat până mâine, cel puțin. Iar un portret presupune cel puțin o stăpânire a meseriei, a școlii. Iar pentru arta contemporană, nimic din toate acestea nu este „actual”. De aceea, mulți artiști din ziua de azi nu mai fac portrete. Eu, pe de altă parte, mă aflu în ariergardă. Pentru mine, „relevanță” este un cuvânt urât atunci când vine vorba de artă.

Alexander Kitaev.Fotografie de Stanislav Chabutkin.

Droguri de gheață pe râul Moika. 2003 g.

– Alexander, în ultimii ani, v-ați redus drastic activitatea expozițională, expozițiile personale au devenit rare, ca o vacanță. Ce a devenit această expoziție pentru dumneavoastră??

– Într-adevăr, a fost o perioadă în care am avut mai multe expoziții personale pe an, ca să nu mai vorbim de participarea la zeci de expoziții de grup. Am făcut o mulțime de fotografii și am tipărit o mulțime de fotografii și am vrut ca oamenii să vadă roadele muncii mele. Acum sunt din ce în ce mai mult implicat în istoria fotografiei și în predare. Există din ce în ce mai puțin timp pentru a vă organiza propriile expoziții. Dar dacă mi se propune să fac o expoziție și condițiile sunt acceptabile, accept. Expoziția actuală este alcătuită din mai multe serii și cicluri de fotografii din trecut. Fiecare dintre aceste serii a reprezentat într-un fel sau altul o piatră de hotar în viața mea, dar nu au fost niciodată expuse împreună. Această expoziție nu poate fi numită cu greu un rezumat, ci mai degrabă o retrospectivă.

– Sunteți cu siguranță unul dintre cei mai cunoscuți fotografi ruși. Este plăcut să fii atât de popular și cum trăiești cu asta??

– Termenul „celebru” nu se aplică cu greu fotografului. Subiectul din spatele obiectivului este rareori mai bine cunoscut decât cel din fața acestuia. Poate că este vorba de particularitatea profesiei. Nu poți să nu te gândești la arhitecți? Operele lor de artă sunt mereu în fața ochilor noștri, cu toții le admirăm și ne bucurăm de ele, dar foarte puțini oameni își amintesc chipurile lor sau numele artiștilor lor. La fel se întâmplă și cu fotografii: ei luminează și luminează lumea din jurul lor, dar ei înșiși rămân aproape întotdeauna în umbră. Deci nu putem vorbi decât de o popularitate foarte limitată, adică popularitate într-un anumit cerc de oameni a căror activitate profesională este legată într-un fel sau altul de „consumul” de fotografie.

Faptul că sunt, cum spuneți dumneavoastră, „celebru” într-un anumit cerc , cred că are două motive destul de obiective. Sunt în domeniul fotografiei de foarte mult timp și a fost o schimbare de generație firească. Și în orice comunitate sau profesie, trebuie să existe întotdeauna un bătrân cu autoritate. În zilele noastre, eram eu. Deci nu e vorba de talentele mele speciale, ci doar de faptul că mi-am păstrat impulsul creativ inițial și sentimentul că eu, autorul, sunt o mică verigă într-o nesfârșită baghetă fotografică. Ei bine, un alt aspect ține de asemenea de timp. La începutul secolului XXI, odată cu apariția noilor tehnologii fotografice, fotografia a fost preluată de milioane de oameni din întreaga lume. Mulți dintre ei doresc să se perfecționeze în hobby-ul lor și caută pe cineva de la care să învețe și de la care să fie îndrumați. Multor oameni le plac fotografiile mele, de unde, conform legii numerelor mari, faima mea.

Iar în ceea ce privește „frumosul” și „cum se trăiește”, ei bine, ca orice monedă, există două fețe. Din moment ce sunt în atenția publicului, trebuie să mă uit la o mulțime de poze, majoritatea proaste. Și nu doar pentru a le privi, ci și pentru a spune ceva despre ele, pentru a le explica, pentru că oamenii vin la mine pentru un sfat, pentru ajutor, pentru o apreciere. Este obositor și plictisitor pentru ochi. În același timp, popularitatea mea îmi permite să rezolv multe probleme cu mai puțin efort și energie. Fie că este vorba de licitații cu cumpărători sau de negocieri cu funcționari publici pentru expoziții.

– Cum să devii artist?

– Depinde foarte mult de condițiile de pornire: familie, cerc social, loc de naștere etc. M-am născut, cum se spune, într-o familie „simplă”. Părinții mei sunt copii de țărani. Tatăl meu a devenit mecanic auto, iar mama asistentă medicală. Astfel că cercul social al rudelor mele nu era prea predispus la activități artistice. Dar m-au învățat cum să muncesc din greu. În tinerețe, în afară de fotografie, am învățat o mulțime de meserii. Să lucrez doar mecanic nu a fost niciodată interesant pentru mine și în fiecare domeniu am inventat ceva, am devenit creativ… Când fotografia a ajuns în prim-planul vieții mele, mi-am dat seama că, dacă nu-mi schimbam cercul social lucram ca metalurgist într-o fabrică , nu voi putea stăpâni singur artele, nu meșteșugurile… Apoi, la începutul anilor ’70., Am devenit membru al unuia dintre cele mai bune cluburi de fotografie din țară la acea vreme: clubul Palatului de Cultură din Vyborg. Acesta a fost primul pas. Mai târziu, când lucram deja ca fotograf de artizanat într-o fabrică, am încercat din răsputeri să mă instruiesc în domeniul științelor umaniste. Încă un pas: în 1987 am intrat în fotoclubul „Mirror”, unde atmosfera creativă era înfloritoare. Și apoi am avut noroc: am făcut cunoștință și m-am împrietenit cu un artist și polimathe remarcabil, Pavel Potekhin. El a fost cel care mi-a completat educația artistică.

Sunt convins că titlul de artist nu poate fi un titlu în sine. În toate timpurile și în toate generațiile de fotografi au existat maeștri ale căror lucrări au ieșit din trendul general. Pentru a-i delimita cumva, pentru a-i deosebi de mase, contemporanii lor i-au numit artiști. Am povestit undeva că atunci când aveam expoziții și auzeam de la vizitatori în atelierul meu: „Uite, uite, e un artist!” Mă uitam nervos în jur să văd la cine se referă? Se pare că, despre mine. A fost foarte neobișnuit. Este un titlu destul de compromis în aceste zile. Numeroase colegii și alte instituții de învățământ pregătesc artiști în același mod în care pregătesc ingineri și profesori de liceu. Mulți oameni care au luat un aparat de fotografiat au comandat imediat o carte de vizită, pe care scria că proprietarul este fotograf și artist. Nu vreau să mă alătur acestor rânduri. Am sentimentul că lucrurile au devenit diferite în aceste zile. Noțiunea de „fotograf-artist” nu are mai mult sens decât expresia „călător în tramvai”.

– Trebuie să cunoști și să simți foarte bine Sankt Petersburgul pentru a-l putea filma atât de viu. Cum s-a format viziunea dumneavoastră asupra orașului??

– Cum s-a format?? O să încerc să vă povestesc despre asta, dar să nu credeți că a fost scopul meu conștient, autoimpus ca tânăr. Totul s-a întâmplat de la sine. Întotdeauna am citit foarte mult, iar despre Sankt Petersburg multe lucrări ale marilor poeți și scriitori au ajuns în tezaurul literaturii mondiale. Când mă uitam la un subiect din Sankt Petersburg – o piață, o stradă, o clădire și așa mai departe… d., Știam deja câte ceva despre ele din literatura de specialitate. Dar întotdeauna am vrut să știu mai mult – biografia subiectului care mă interesa: cine i-au fost părinții, când s-a născut, ce oră era..? Pentru a-mi satisface această curiozitate a trebuit să studiez istoria Petersburgului și, din această cauză, istoria în general; istoria arhitecturii și a arhitecturii din Petersburg în general, biografiile creatorilor și ale locuitorilor săi celebri și, prin urmare, geografia… Separat, iconografia Sankt Petersburgului și, prin urmare, istoria artelor plastice. Există un întreg complex, nu pot să le enumăr pe toate. Un lucru este sigur pentru mine: Orașul m-a format pe mine și viziunea mea. Poate că a ales-o pentru ceva. Și îi sunt îndatorat. Nu știu cum s-a întâmplat, dar, spre deosebire de mulți dintre compatrioții mei, eu nu merg pe baricade în lupta împotriva diferitelor inovații din Sankt Petersburg. Știu că „geniul locului” poate face față la tot ceea ce nu-i este pe plac, iar de restul se va ocupa Dumnezeu. Mi se pare că trăiesc în acest oraș de peste trei sute de ani și știu că nicio intervenție tactică nu-i poate schimba strategia. El este cel care ne stăpânește, nu noi suntem stăpânii lui!

În timp ce îmi fotografiam propriul oraș, nu m-am gândit să-mi vând fotografiile și aproape niciodată nu am făcut un comision pentru asta. Întotdeauna am fost eu însumi clientul. Și și-a câștigat traiul și arta prin altele, prin fotografie aplicată. Cred că asta mi-a rămas imprimat în fotografii.

– Puteți numi fotografiile care au început cu adevărat artistul Alexander Kitaev?

– Știți că lucrez în genuri diferite? Astfel, îmi amintesc foarte bine o fotografie după care mi-am spus: acum poți filma Petersburg. Adică mi-am dat seama că sentimentul de Sankt Petersburg care trăia în mine, am reușit să îl întruchipez în imagine. Era prin 1982, după mai bine de zece ani de fotografie. Atunci am simțit în mine însumi – iar cei din jurul meu nu puteau încă să vadă acest lucru – că începea să se contureze ceva ce avea să fie numit mai târziu de critici „Petersburgul lui Kitaev”. În alte genuri, a fost mai mult sau mai puțin la fel. Doar că atunci când am început să lucrez în domeniul fotografiei în jurul anului 1989 , am început imediat să fac ceva care se deosebea foarte mult de ceea ce făcuseră predecesorii mei în acest gen.

Joseph Brodsky le-a explicat cândva studenților că opera unui poet este întotdeauna un work in progress, o selecție și că poetul este un fel de Hercule. Isprăvile sale sunt poemele sale. Nu poți spune ce este Hercule dintr-o singură faptă, două sau trei. Hercule are toți 12 ani. La fel se întâmplă și în fotografie: nu se poate spune dintr-o imagine nici începutul drumului, nici scara fotografului… Și nu e treaba lui Hercule să numească faptele cuiva fapte..

– Stăpânirea ta perfectă a compoziției este un sentiment înnăscut sau rezultatul unei munci grele și a unor ani de experiență??

– Nici una, nici alta. Aici sunt de acord cu Thomas Mann: „abilitatea pentru care cineva are o necesitate interioară se dobândește destul de repede”.

A fotografia înseamnă a bombarda o emulsie sau o matrice cu fotoni. Acest bombardament nu vizează întotdeauna. Dar trebuie să o faci cel puțin într-un buchet. Pentru a nu vă lăsa prinși în lapte, trebuie să dobândiți abilitatea de a compune. Poate că această abilitate este mai rapidă și mai ușoară pentru Petersburg. Locuitorii Deltei Neva sunt înconjurați de un spațiu uimitor de armonios creat de arhitecți de primă clasă, muzeele din Petersburg sunt pline de capodopere de artă, oferind exemple de compoziție impecabilă. Toate acestea, încă din copilărie, educă ochiul în mod voit sau nu. Nu rămâne decât să folosiți roadele acestei educații și să puneți mâna pe ea.

Trebuie remarcat faptul că așa-numitele legi ale compoziției nu sunt ceva odată pentru totdeauna descoperit, studiat și recomandat ca o necesitate, garantând succesul. Ochiul uman devine din ce în ce mai echipat, iar termenii clasici ai legilor compoziției au fost formulați când artele frumoase erau încă în copilărie, în timpul setului lor de instrumente destul de simple. „Perspectiva tonală și liniară”, „ritm”, „centrul poveștii”, „varietate” etc. p. – Nimeni nu a anulat niciodată acest lucru. Dar artistul modern folosește obiective ultraangulare și ultra-lungi, filmează pe peliculă cu infraroșu sau aruncă o privire în invizibil cu raze X etc. d. Toate acestea sparg noțiunile obișnuite de spațiu și subiect, încurajându-ne să tratăm regulile de compoziție în mod creativ și să le adaptăm la viziunea modernă a omului. În opinia mea, legile compoziției apar întotdeauna din faptul că o operă de artă. Un artist care creează o operă perfectă, nu citind un manual, ci ascultând ceva de sus. Vine un teoretician, descompune imaginea, o cântărește, o atinge, o măsoară și aranjează totul. Apoi scrie rețete pentru obținerea de capodopere.

– Urmărirea permanentă a perfecțiunii este urmărirea a ceva imposibil și de neatins?

– Nu, nu este! Încerc doar să scot cât mai mult din ea. Există un diapazon în mine și, când îl ascult, știu dacă am realizat sau nu ceva. Ca în orice lucrare creativă, există două aspecte: tehnica și arta în sine.

Din punct de vedere tehnic, este cam așa. Știți că încă lucrez în domeniul tehnologiei argintului? Iar acest lucru, spre deosebire de digital, nu vă permite să faceți un pas înapoi. Întregul proces fotografic argintiu, cu ciclul său obligatoriu de prelucrare a imaginii în mai multe etape și non-momentane, stabilește un anumit ritm de viață. O peliculă de argint de 35 mm are o înălțime de numai 1,5 metri. Dar de fiecare dată când te ocupi de ea, îngenunchezi în fața ei. Trebuie să-l expuneți corect și nu puteți „curăța” filmul și să-l expuneți din nou. Nu poți să dezvolți și să nu repari, să repari și să nu speli, să speli și să nu usuci, etc. d. Este o disciplină. Asta te obligă, te obligă doar să mergi mai departe, spre un negativ ideal, perfect – pentru că a doua etapă va consta în crearea unui pozitiv nu mai puțin perfect. Și există multe subtilități, responsabilități și capcane. Iată un exemplu. Lucrul cu hârtie naturală necesită întotdeauna două mâini. Orice artist grafic știe asta. Artiștii graficieni sunt cei care au simțit întotdeauna, și ei m-au învățat să simt, hârtia, textura și densitatea ei, comportamentul ei longitudinal și transversal. Întotdeauna a apreciat comunicarea tactilă cu ea. Și cât de jignitoare pentru ei, și apoi pentru mine, a fost manipularea neglijentă a lucrării pe hârtie! Un anumit client intră și ia o foaie cu o mână – asta e, ai garantat o defecțiune! Ca să nu mai vorbim de amprentele digitale… Vă dați seama imediat că în fața dumneavoastră se află un diletant cu buzunarul plin de bancnote de circulație.

Aceasta este o parte a întrebării. Celălalt este că un fotograf care se străduiește să fie creativ trebuie să stoarcă în mod constant asistentul de laborator din el sau ea puțin câte puțin. O, câți dintre colegii mei cred că un print perfect este o operă fotografică, uitând că o operă nu este atât un produs, cât un mesaj… Tehnologia imaginii este astăzi atât de bună încât suntem complet înconjurați de imagini fotografice competente din punct de vedere tehnic. Dar, dacă portretizează, reflectă ceva, este vorba mai ales de lumea interioară destul de primitivă a creatorului. Și nu oferă nimic sufletului sau inimii unui spectator sofisticat. Și aici aș putea să-l citez din nou pe Brodsky: „Una dintre cele mai mari probleme pe care le are un poet de astăzi, fie el contemporan sau nu, este că poezia care îl precede – cu alte cuvinte, moștenirea – este atât de vastă încât te face să eziți să adaugi la ea, să modifici predecesorii sau să fii tu însuți. Să te gândești că ai ceva nou de spus după oameni ca Tsvetaeva, Akhmatova, Auden, Pasternak, Mandelstam, Frost și Eliot.., – înseamnă a fi foarte îndreptățit sau foarte ignorant. Eu m-aș încadra în cea de-a doua categorie. Când începi să pictezi pentru prima dată, nu știi prea multe despre ceea ce a fost înaintea ta. Abia la mijlocul vieții dobândești această cunoaștere și ea te încovoaie la pământ sau te hipnotizează.”.

– Când îți judeci propria muncă, ai încredere doar în tine însuți?

– În ultimii ani, am încercat să mă ascult doar pe mine însumi. Am vorbit deja despre diapazonul interior. Nu sunt multe hituri la unison cu mine și nu vreau să dansez pe melodia altcuiva. Nu știu ce să mai adaug.

Dar nu trebuie să te asculți întotdeauna pe tine însuți. Permiteți-mi să vă spun o poveste. Când eram fotograf într-o fabrică de construcții navale, mă iritau ordinele de producție, care mă obligau să fac copii ale fotografiilor aplicate pe hârtie fotografică prețioasă de argint. Mi s-a părut că aș putea să folosesc fiecare astfel de foaie de hârtie în mod mai profitabil: să tipăresc pe ea vreo operă de artă sau chiar „netlenika”. Era deosebit de supărător când erau copii ale schemelor de circuit ale unui instrument de pe un submarin sau de pe o navă de suprafață. Existau deja copiatoare ușoare și fotocopiatoare, care erau mai rapide și mai ieftine. Dar nu! Cerințele marinarilor au fost imuabile: numai amprente de argint! Am început să investighez și s-a dovedit că, într-un mediu agresiv, doar vechea tehnologie argintată conservă imaginile și ajută astfel la salvarea echipajului aflat în pericol. Când vine vorba de supraviețuirea în situații extreme, cum poți să te contrazici?? Că ambițiile mele artistice în comparație cu viața oamenilor?

– Cum s-a dezvoltat relația cu colegii dumneavoastră, a existat o dorință de recunoaștere??

– Este diferit în diferite etape. La un moment dat, dacă nu cumva să mă strâmb, desigur, obținerea recunoașterii din partea colegilor era importantă. Și de aceea. Istoricii sovietici obișnuiau să scrie, de exemplu, despre fotografii din România pre-revoluționară: „Activitatea creatoare a lui Dmitriyev s-a dezvoltat în condițiile opresive ale vremurilor țariste”. În zilele noastre se spune adesea că o persoană sau alta a crescut în condițiile insuportabile din Uniunea Sovietică. Pentru fotografi, „severitatea condițiilor” a fost agravată de nerecunoașterea absolută a fotografiei în rândul artelor de către instituțiile sovietice. Dar noi, fotografii, am crezut altceva! În plus, lucram într-un vid informațional și cunoșteam și vedeam foarte puțin din activitatea colegilor noștri străini, atât predecesori, cât și contemporani. Așa că, în mare parte, a trebuit să învățăm unii de la alții. Nu au existat alți specialiști! Aceasta este o particularitate a comunității fotografice naționale. Îmi amintesc de afluxul de critici de artă, curatori și proprietari de galerii din Occident care încercau să afle despre fotografia noastră contemporană de la colegii lor ruși după Perestroika. Ei au rămas muți de uimire: „Ce?? Fotografie realizată de? Există astfel de artiști??”. Adică, fotografia, ca și sexul, nu putea exista în țara sovietică..

Apoi au venit alte vremuri, alte atitudini. Cumva, recunoașterea colegilor mei a venit la mine. Știu din experiență cât de dificil este să păstrezi o percepție și o apreciere clară a operei vechilor prieteni și cunoscuți. O dorință de distanță. Apoi, cel puțin un pic ca percepție prin valoare absolută.

Petersburg. 2005 g.

Copaci. 1992 g.

Garden Street Embankment.1995 g.

Autoportret cu copii. 1995 g.

Martie. 2008 g.

Canal de ocolire. 1995 g.

Podul Piccalou. 2003 g.