...

Un ochi de autor în fotografie

Filmarea din spatele personajului principal, care este adesea folosită în cinematografie, creează impresia că vedem scena prin ochii lui și, prin aceasta, ne identificăm involuntar cu el. În general, identificarea privitorului cu cineva autorul sau eroul sau cu ceva din opera de artă este o temă transversală în toată arta și un criteriu cheie pentru a trata arta.

Igor Narizhny

Recunosc, fotografia a fost făcută la întâmplare, fără prea multe așteptări, dar s-a dovedit a fi cea mai reușită din ziua respectivă. Trebuie amintit că, potrivit martorilor, același Cartier-Bresson a făcut nu puține fotografii, iar proporția de printuri pe care le-a realizat, potrivit multor rapoarte, a fost destul de standard, adică. e., Dacă ar fi lucrat la noi la editură, ar fi trebuit să asculte cum se plânge contabilul: s-au cumpărat două role de film, dar au fost doar trei cadre pentru ediție, deci e o risipă evidentă… Concluzie practică: trageți la cea mai mică solicitare.

Poza „funcționează” datorită soluției compoziționale: există un model de cruce oblică o linie de mese-scaune și privirea eroului care o traversează, ceea ce putem ghici și, de altfel, unul dintre acele cazuri în care un senzor decupat ar da un rezultat mai bun decât unul full-frame, ca aici ar fi fost mai bine evitate detaliile defocalizate din partea superioară a cadrului .

Canon EOS 5D, 24-105/4L la 75 mm, ISO 100, 1/15 sec, f/7.1, compensare expunere -1/3, prioritate diafragmă.

Întrebarea principală despre fotografie este: de ce au oamenii nevoie de ea?.

„Fotografiile mele de portret spun mai mult despre mine decât despre persoanele pe care le fotografiez.”.

Richard Avedon

De ce?.. Dacă fotografiezi pentru a-ți câștiga existența, asta e o altă poveste. Fotograful Vladimir Arkhipov a spus de mai multe ori că, în ochii lui, un fotograf amator serios este de rang mai înalt decât un profesionist, deoarece calea de la el la maestru este mai scurtă și mai dreaptă, iar un profesionist fotografiază cârnați.

Ceea ce este adevărat este adevărat – oricine fotografiază pe bani vă va spune că o parte importantă a fotografiei plătite este atunci când vă duc într-o locație inestetică și vă spun: „Fă o poză cu asta, avem nevoie de ea pentru un catalog”. Apoi, totul este să ai tehnica și tehnica potrivită.

Și, bineînțeles, e întotdeauna o bucurie dacă priceperea e la înălțime și iese poza nu obosesc niciodată să mă întreb ce entuziasm copilăresc are orice fotograf adevărat, deși deja cărunt, pentru procesul foarte tehnic de obținere a pozei , dar asta nu schimbă cu nimic lucrurile: poți să fotografiezi cu plăcere și cârnați.

Este diferit atunci când faci fotografii pentru că ai o nevoie interioară: „Îmi place”. Nevoia de auto-exprimare se află în straturile cele mai profunde ale psihicului și se manifestă în mod indestructibil: unii oameni trag, unii compun, alții fac artizanat, iar dacă nu există nimic din toate acestea – scriu pe gard..

În același timp, orice lucrare legată de artă este valoroasă în primul rând ca o oglindă, în care o persoană se poate vedea obiectiv, dacă vrea și încearcă să o facă după cum spune Viktor Ivanovski, dacă ești sentimental, fotografiile tale sunt sentimentale; dacă ești prost, și fotografiile sunt proaste . Nu există o altă oglindă în general. Deci, fără artă vei fi văzut de alții mult mai bine decât ești tu însuți, dar cu arta ai o șansă prețioasă de a te vedea, înțelege și îmbunătăți.

Numai în acest context merită să ne amintim cuvintele lui Sekou Asahara, executat pentru atacul cu gaz din metroul din Tokyo: el a spus că cea mai mare pedeapsă îi așteaptă pe artiști și interpreți în viața de apoi, deoarece îi învață pe oameni reacții false străine față de ceea ce îi înconjoară. Privit la mostre frumoase, o persoană repetă cuvintele cuiva și face grimase în loc să reflecteze, ce contează pentru el personal, adică cine este pe esență.

Această întrebare este întotdeauna dificilă și uneori chiar dureroasă, iar răspunsurile simple, cum ar fi „Sunt argentinian” sau papuaș , „Sunt un fan al fotbalului” sau „Sunt un rocker”, nu vor satisface o persoană exigentă pentru mult timp. Alegerile înstrăinate, provocate sunt mai periculoase: nu sunt atât de ușoare și pot rămâne blocate într-o persoană pentru totdeauna. De fapt, suntem foarte familiarizați cu ele – sunt timbre fotografice.

„Un aparat de fotografiat poate face o fotografie a unui gând”.

Dirk Bogarde

Una dintre cele mai bune subiectiv, desigur și cu siguranță cea mai interesantă modalitate de a aborda toate aceste întrebări este fotografia. În fiecare etapă a creării sale subiect, compoziție, prescurtare etc. , fotograful trebuie să le dezvolte pe cele mai importante. fotografia este întotdeauna o alegere, o căutare a celei mai interesante soluții dintr-un set de soluții posibile.

S-ar părea că în fiecare caz suntem limitați la câteva variante, dar un muzician are la dispoziție doar 7 note și nimeni nu se plânge că nu există loc pentru a se dezvolta. Și orice gospodină obișnuiește să facă o supă din același set de cartofi, carne și sare, și este întotdeauna diferită. În micile particularități ale alegerii în fiecare etapă fotografică stă baza materială a operei autorului, materia primă din care este făcută, se află.

Puteți face o fotografie doar din locul în care vă aflați, sau puteți să vă dați la o parte sau să vă așezați. Puteți include un colț al unei clădiri în cadru sau puteți lăsa un spațiu gol în jurul marginilor. Puteți seta compensarea expunerii la minus doi sau o puteți lăsa la zero… Ei bine, există o alegere. Cum fotografia, în varianta sa proprie, este în cea mai mare parte o artă non-verbală ceea ce înseamnă că nicio imagine nu poate fi înlocuită nici măcar de o descriere verbală detaliată, rămâne întotdeauna ceva inefabil, ineficient în cuvinte , deci alegerea se face de fiecare dată intuitiv.

Desigur, orice fotograf vă va explica cu ușurință după fotografiere de ce s-a așezat sau a întunecat cadrul, dar asta nu înseamnă prea mult: fiți sigur că, dacă doi fotografi bine vorbitori fotografiază diferit același subiect, amândoi își vor justifica alegerea în mod la fel de convingător. Justificarea vine mai târziu, când aveți deja o soluție intuitivă. În primul rând, trebuie să o dezvoltați, iar ea, la rândul ei, vă va dezvolta pe voi.

„Nu există reguli pentru o imagine bună. Sunt niște fotografii foarte bune.”.

Ansel Adams

Tocmai abaterile de la alegerile cele mai evidente, banale – în materie de subiect, compoziție sau orice altceva – sunt înregistrate instantaneu de către privitor ca fiind cele mai valoroase, la fel de intuitiv cum îi vin în minte sau imediat în mâinile fotografului.

Acestea creează „puncte de interes”, iar suma lor reprezintă stilul. Originalitatea autorului, care stă la baza tuturor lucrurilor, poate fi definită convențional ca fiind atitudinea autorului față de stilul său, atunci când el stilul este perceput ca un instrument.

Nu poți păcăli subcortexul: toate construcțiile neintuitive și neverosimile sunt instantaneu recunoscute de privitor ca fiind false și, prin urmare, neinteresante. Un fotograf trebuie să-și vadă cadrul cu o clipă înainte de a face o fotografie se întâmplă adesea, desigur, să vadă cadrul, dar în realitate ceva nu coincide sau îi stă în cale – de exemplu, un fundal greșit sau oameni în plus, iar el trebuie să fie atent să nu se răstoarne, păstrând ceea ce vede în cap, pentru a aduce realitatea în ideea sa . Trebuie să vezi în așa fel încât emoțiile și tot ceea ce este în el să se trezească, iar apoi ai șansa de a trage încărcătura care va „trezi” și privitorul.

„Nu mă întreb niciodată ce să fac. Mi-au spus-o chiar ei. Fotografiile se creează singure cu ajutorul meu.”.

Ruth Bernhard

Spectatorul este cu siguranță un lucru bun, dar nu în mod inevitabil și nu întotdeauna. Dacă sarcina este de a da sens propriei persoane și de aici provine originalitatea autorului , atunci autorul poate fi un spectator destul de autosuficient: gândiți-vă la Gauguin, Van Gogh sau la bona din Chicago, recent descoperită, care și-a petrecut viața făcând tablouri liniștite pentru ea însăși, care este deja comparată aproape cu Bresson deși, dacă vă amintiți că i se compară colecția cu cea a anticarilor care trebuie să o vândă, atunci nu mai există nicio îndoială .

În orice caz, în etapele inițiale ale dezvoltării fotografice, când nu este ușor să explici cuiva din afară, dar nici măcar în interiorul tău, ce se întâmplă în fotografie și ce vrei, privitorul nu este necesar

În acest stadiu, un fotograf începător are o sarcină enciclopedică, dacă o învață serios: să încerce cât mai multe soluții diferite la o anumită problemă de fotografiere, inclusiv unele ștampile nu prea învechite, iar apoi, cu atenție, amintindu-și cuvintele lui Asahara, să examineze rezultatele și să încerce să decidă singur: ce este al meu și ce nu este în realitate, este mult mai interesant și mai plăcut decât s-ar putea crede fără practică …. Aceasta este o etapă importantă: fiecare tehnică este o cărămidă în zidul templului stilului personal. Atunci când aveți o anumită experiență sau chiar automatism, atunci un spectator experimentat va fi foarte prețios.

„Nu am filmat nici măcar un cadru așa cum am vrut să fac. Întotdeauna se dovedesc mai bune sau mai rele.

Diane Arbus

Una dintre cele mai periculoase și pernicioase tentații în pregătirea fotografică, mai ales la început, este căutarea perfecțiunii rapide există o capcană similară în practica creștină – când un nou convertit încearcă să devină un sfânt cât mai repede posibil . De unde obțineți această perfecțiune în prima etapă??

Cel mai simplu și mai rapid mod este pe partea laterală. Dar perfecțiunea altcuiva, dacă încerci să o copiezi și să o faci să treacă drept a ta, amorțește chiar impulsurile din care s-ar putea naște într-o zi, cu o dezvoltare fericită, o mare lovitură… În acest sens, povestea despre Ivan-Tsarevici, care a ars în prealabil pielea de broască a soției sale, poate fi citită ca un sfat codificat pentru un tânăr fotograf.

Purtați pielea cât timp doriți, chiar dacă nu este Calvin Klein sau suportați-vă muza , vă veți simți mai bine după aceea. Imitația nu este doar nesustenabilă, ci ucide chiar sămânța care trebuie cultivată, autorul personal. Iar dacă o lași să devină puțin mai puternică, e ca în bancul: „Când voi crește, voi avea câte vrei tu”. Deci, este foarte recomandat ca un fotograf, în special un începător, huliganism și experimentare – este de la o imperfecțiune ușoară, conștientă și deliberată, de la abaterile de la reguli, care apare un stil personal, iar dacă cineva este un egoist sănătos, nu există nici o sarcină mai importantă decât asta. instrucție 1.

„Dacă o vază antică este frumos sculptată și frumos pictată, va fi frumoasă doar din acest motiv. Dar nu cred că același lucru este valabil și pentru fotografie. Dacă nu are ceva un pic ciudat, un pic incomplet, va arăta doar ca o copie a ceva frumos. Este puțin probabil să fim interesați de ea.”.

John Loengard

Bineînțeles, mediul fotografic este deosebit. Un artist pe care îl cunosc a fost uimit: „Cât de greu trebuie să fie pentru voi, fotografii, să găsiți un subiect pentru a face să coincidă totul și să aveți timp să fotografiați. La noi, la artiști, este mult mai ușor: înveți, îți dezvolți maniera și apoi pictezi după bunul tău plac.

Există un motiv pentru asta: un fotograf depinde mai mult de ceea ce se află în jurul său. De aceea, primești tot felul de trucuri de oriunde poți. Există tot felul de trucuri în timpul expunerii cabluri, de exemplu , și optici făcute în casă, și „Photoshop”. Toate instrumentele sunt bune atâta timp cât există un rezultat. Argumentele conform cărora fotografia „pură” adică fără „Photoshop” este întotdeauna mai înaltă și mai bună par să se fi liniștit în cele din urmă.

Au ceva de sport. Este ca și cum ai spune că dacă un ninja își ucide inamicii cu cinci arme diferite, iar celălalt cu o katana, atunci cea de-a doua este mai importantă. Asta poate fi, dar nu neapărat – este mult mai important câți dușmani și ce fel de dușmani au ucis unul și celălalt. Deși, desigur, dacă ești un fanatic al katanelor, această abordare are mai mult sens.

„Fotografia nu se ia, ci se creează.”.

Ansel Adams

În timp ce menționăm Photoshop, merită să ne amintim un fapt puțin neplăcut pentru fotografi: Cartier-Bresson a abandonat fotografia și a început să picteze la sfârșitul vieții sale. „Poftim! – Un alt artist pe care îl cunosc a plâns după ce a auzit asta. – Voi, fotografii, sunteți niște fetișisti! Un artist adevărat știe că toate acestea: aparatul de fotografiat și pictura nu sunt decât un instrument în mâinile sale!” Așa că poate că „Photoshop” se va alătura într-o bună zi.

Dar să ne întoarcem la spectator. Subiectul privitorului și, în sens mai larg, aprecierea operei tale se reduce curând la o chestiune de mediu și context cultural. Este mult mai mult legat de originea autorului. Un artist nu trăiește într-un spațiu fără aer, iar societatea este foarte importantă pentru el. Desigur, societatea este mare la prima vedere, iar în viața obișnuită nimeni nu este împiedicat să comunice doar cu un cerc restrâns de câțiva aleși.

Dar când vine vorba de matricea culturală, este puțin mai complicat. De facto, am adoptat fotografia occidentală ca standard de excelență. Nu e surprinzător, pentru că a mers foarte departe și nu e nimic rău în asta. Trebuie pur și simplu, uneori, în timp ce selectezi exemplele de urmat, să faci o distincție clară între două aspecte: nivelul tehnic al execuției și semnificația fiecărei imagini în parte în contextul său cultural.

Nu putem să nu observăm că progresele înregistrate în adoptarea experienței occidentale în prima parte, cea tehnică, au depășit cu mult realizările din a doua parte. Și acest lucru este inevitabil: un fotograf care a crescut într-un mediu diferit are mari dificultăți în a înțelege semnificațiile intuitive codificate în fotografiile europene, la fel cum artistul nostru nu poate fizic să ia în serios problemele care îi deranjează pe europeni suficient de mult pentru a vorbi despre ele într-un limbaj intuitiv cu un spectator european, oricât de mult ar încerca să falsifice cele mai sonore capodopere europene…

„În orice fotografie există întotdeauna doi actori: un fotograf și un privitor.”.

Ansel Adams

Nu trebuie să mergeți departe pentru exemple. Orice fotograf începător, dacă se străduiește suficient de mult, poate stăpâni tehnicile profesionale întâlnite în fotografierea modernă a modei occidentale de exemplu . Dar puțini oameni înțeleg sincer fotografia modernă de artă occidentală, nu aplicată, cum ar fi cele de modă și publicitate.

Nu este vorba de experimentul oricui – chiar și lucrările lui Andreas Gursky, al cărui statut de maestru este confirmat în mod repetat de milioane de vânzări, ridică o ușoară îngrijorare că nu suntem păcăliți? Ce este acest Warhol al zilelor noastre?? Doar numeroasele zerouri din rapoartele de licitație sunt oarecum liniștitoare. Se pare că nu se vor lăsa păcăliți pentru atâția bani.

Unde mergem cu asta?? Gursky este doar un exemplu pentru claritate. Ideea este că învățăm și chiar observăm trucuri tehnice mult mai repede decât cele semantice. Această situație nu este ideală, dar este omniprezentă. Iar concluzia este evidentă: trebuie să înveți! Nu doar „cum”, ci și „ce”, „despre” și „de ce”. Dacă tot suntem la subiectul originii autorului, ar fi bine să încercați să vă țineți capul aproape de mâini. Se întâmplă, oh, se întâmplă!

„Fotografia în sine nu mă interesează. Vreau doar să surprind o mică parte din realitate.”.

Henri Cartier-Bresson

Să aveți o filmare minunată!

O fată și o păpușă

Fotografiile din studio deși aici din studio sunt doar câteva lumini cu softbox-uri într-o cameră obișnuită ar trebui să fie umplute pe cât posibil cu un conținut alegoric, deoarece sensul lor literal riscă să fie banalizat. Masca – cea vie și cea fără viață, fata goală și mascată în același timp, mama și copilul – mai multe întrebări „veșnice” se îngrămădesc aici, iar fotografii vor răspunde la ele atâta timp cât vor trăi. La fel ca pe vremea filmelor, întunecarea și luminarea locală posibile în cazul imprimării de atunci rămân mijloace puternice de exprimare. Aici, întreaga margine dreaptă a cadrului este întunecată, iar fețele fetei și păpușii sunt evidențiate.

Canon EOS 5D, 70-200/4L la 105 mm, ISO 200, 1/125 sec, f/11, mod manual.

Pe o stradă comercială din Kemer, Turcia

Una dintre poveștile pe care le vedem de zeci de ori în fiecare zi, dar de data aceasta am reușit să o scot din fluxul vizual. Cadrul se descompune în mai multe părți conectate în mod ambiguu, iar relațiile dintre ele constituie interesul principal, deși legătura evidentă dintre marchiza stacojie din partea de sus și reflecția ei în oglinda rotundă domină cu siguranță. Cadrul a trebuit să fie ajustat în Photoshop, prin luminarea marginii cortinei înclinate, iar detaliile albe orbitoare din stânga marchizei au fost întunecate, dimpotrivă, pentru a nu fi cea mai luminoasă parte a cadrului. Luat pe fugă pe o stradă comercială din Kemer, Turcia.

Canon EOS 5D, 24-105/4L la 47mm, ISO 200, 1/200 c, f/9, compensare expunere -1/3, prioritate diafragmă.

Imagine monolitică

Producerea de autor în fotografia de studio necesită în primul rând imaginație, un stil ușor de parcurs, absența lenei și uneori huliganism nesăbuit. Detaliile expresive sunt de o importanță capitală – cum ar fi aici genele false și tiara improvizată. În acest caz, traducerea în monocromie elimină informațiile de culoare inutile și vă permite să creați o imagine monolitică.

Fotografie de Egor Narizhny.

Canon EOS 5D Mark II, 70-200/2.8L la 95mm, ISO 100, 1/200 sec, f/9, mod manual, lumină de studio.

Un fundal bun pentru fotografia ta

Se întâmplă adesea să fotografiezi un spațiu care îți place, iar apoi, uitându-te la imaginea de pe monitor, îți dai seama: nu este o împușcătură, ci un fundal bun pentru o împușcătură – nu există un erou sau o acțiune. Am făcut această fotografie pentru că m-a interesat designul grafic al umbrelor și al coloanelor, dar este foarte posibil ca, dacă nu ar fi suflat briza și dacă fața de masă de pe masa din depărtare nu s-ar fi ridicat ușor, fotografia nu ar fi avut loc și ar fi ajuns, ca multe altele, în arhiva „Locuri unde nu se întâmplă nimic”. În primul rând: când faceți o fotografie, urmăriți starea tuturor detaliilor din cadru și reacționați rapid și intuitiv. Concluzia a doua: faceți mai multe tombole. Această poză a fost una din aproximativ cinci și, deși toate au fost făcute într-un minut, toate au apărut diferite pe monitor.

Photoshopping-ul se reduce la reducerea culorii și la unele ajustări ușoare ale luminozității.

Canon EOS 5D, 24-105/4L la 45mm, ISO 100, 1/400s, f/10, compensare expunere +1/3, prioritate diafragmă.

Un atelier de croitorie pe o stradă din Vientiane, noaptea, în Laos

Acesta este un atelier de croitorie pe o stradă din Vientiane, noaptea, în Laos. Manechinele cu jachete nefinisate arată foarte semnificativ noaptea, în strălucirea lipsită de viață a luminilor fluorescente.

Fotografia de noapte este un depozit inepuizabil de subiecte ciudate – în sensul bun al cuvântului – care prezintă lucruri familiare într-un mod neobișnuit. Nu aveți nevoie de un trepied pentru această fotografie – un stabilizator și o cameră capabilă să filmeze la sensibilități ridicate v-ar oferi o mulțime de opțiuni și ar permite reacții directe, în timp ce un trepied ar necesita o abordare mai judicioasă. Fotografia nocturnă, cel puțin în culori, a fost total transformată prin trecerea la digital: dacă pe vremea riglei de calcul aveai nevoie de un aparat de măsură bun pentru a face o duzină de măsurători, acum ai nevoie doar de o fotografie rapidă și o corecție rapidă…

Fotografiile de noapte sunt, de asemenea, interesante, deoarece permit păstrarea unei explozii de culori în lumină artificială. Fotografiile RAW sunt foarte recomandate.

Canon EOS 5D, 24-105/4L la 40mm, ISO 1600, 1/10 sec, f/5.6, compensare expunere -1, prioritate diafragmă.

Viața modelelor

Din seria „The Life of Models”. Ciripitul prea vesel al tinerelor modele feminine într-o ședință foto de modă poate duce la acest tip de fotografii huliganice, reflectând vechea diviziune a percepției masculine a femeilor în două părți inegale: deasupra și sub gât. În acel moment, m-am gândit că e mai bine să-mi las capul în afara imaginii.

Cu toate acestea, imaginea a luat o formă destul de solidă, vie și emoțională, care a fost „încălzită” și de paleta de culori saturate.

Pentax 645, 75mm, Ektachrome 100S, 1/60 sec, lumină de studio.

Istanbul Street Scene

O scenă de stradă din Istanbul în spiritul reportajului anilor 1950-60: un moment capturat, o privire expresivă, un preambul vag. Acest stil a fost realizarea creativă a unei tehnici care făcea posibilă fotografierea frontală la acea vreme, fără prea multe preludii, iar în centrul filozofiei sale se aflau caracterul trecător și unic al momentului, estetica efemerului. Este păcat că atunci când talentele tehnice ale aparatelor de fotografiat au crescut și mai mult, iar abilitatea de a surprinde un moment din curgerea timpului a devenit ceva de la sine înțeles, a încetat să mai inspire fotografii.

Olympus E-3, Zuiko Digital 14-42/3.5-5.6 la 23mm Eq. 46mm , ISO 100, 1/160c, f/4.5, compensare expunere -1/3, prioritate diafragmă.

Peretele catedralei și silueta neagră în prim-plan

Există doi „protagoniști” în această fotografie: zidul catedralei și silueta neagră din prim-plan. Nu este clar care dintre ele este „mai importantă”, iar această incertitudine este motivul tensiunii din cadru.

Interesant că partea stângă a cadrului pare un pic goală, dar rezistă activ la tăiere și decupare câteva fotografii au arătat că ar fi mai bine să păstrăm cadrul așa cum este .

Pentax 67, 90mm, film alb-negru.

La balul școlii

Punerea în alb-negru are adesea ca rezultat evidențierea texturii, care este la fel de variată ca marea vieții, și o plasează în centrul imaginii. Centrul semantic al acestui cadru fugar, realizat la un bal școlar, este spatele musculos al fetei, iar restul îi servește drept fundal, dacă vreți, drept habitat; șiretul este un fel de piedestal. Așa cum suita face pe regele, la fel și centrul imaginii subiect, compoziție etc. . d. nu trăiește fără numeroasele detalii subordonate și secundare care ocupă mult mai mult spațiu în cadru decât centrul însuși. deci, concluzie practică: nu vă grăbiți să tăiați detalii neimportante, iar dacă vă decideți să le tăiați, resetați scurtătura Ctrl+Z versiunea inițială și verificați din nou dacă imaginea s-a îmbunătățit, dacă s-au păstrat unele detalii de compoziție neobservate, dar importante. Fotografie de Yegor Narizhny.

Canon EOS 5D, 70-200/2.8L la 70mm, ISO 1250, 1/160c, f/5, prioritate de diafragmă.

Detalii arhitecturale

Detaliile arhitecturale pot fi expresive, iar uneori par chiar vii – ca aici, unde o fereastră construită din cărămidă într-o veche casă romană comunică de secole cu o deschidere rotundă dacă ai ști despre ce este vorba . Poza originală era mult mai mare dintr-un motiv prozaic: la vremea respectivă nu economisisisisem încă pentru un set cu această cameră și încadrarea a arătat că era mai bine să tai cercul „așa cum este” și să nu te joci cu proporțiile peretelui gol de deasupra și de sub fereastră.

Pentax 67, aparat foto 90 mm, film alb-negru.

Zidurile texturate ale vechilor cartiere de locuințe din Atena

Zidurile texturate din cartierele vechi ale Atenei sunt o tentație serioasă pentru un fotograf. Ca întotdeauna, alb-negru pune accentul pe textură, iar aici este din belșug: frunze ascuțite și întunecate, pereți aspri și alei albe. Planurile active peretele sunt extrem de expresive prin ele însele, dar trebuie să fie atent „jucate” cu detalii de accent și împrejurimi. Pentru un rezultat interesant, aveți nevoie de practică și de un studiu atent al rezultatelor.

Aparat foto Pentax 67, 55mm, film alb-negru.

Evaluați acest articol
( Încă nu există evaluări )
Lukaa Vasile

Salut! Sunt Lukaa Vasile și am dedicat mai multe decenii studiului și experienței în domeniul electrocasnicelor. Ca și consultant cu o vastă experiență, îmi propun să împărtășesc cunoștințele și pasiunea mea pentru această industrie.

Produse albe. Televizoare. Calculatoare. Echipament foto. Recenzii și teste. Cum să alegeți și să cumpărați.
Comments: 5
  1. Roxana

    Fotografia este impresionanta, dar ma intreb ce mesaj sau emotie a dorit autorul sa transmita prin imagine. Ce te face sa te opresti si sa reflectezi asupra acestei fotografii?

    Răspunde
    1. Andreea

      Fotografia aceasta m-a impresionat prin luminozitatea și compoziția sa. În opinia mea, autorul a dorit să transmită un mesaj despre fragilitatea naturii și importanța protejării mediului înconjurător. Mă opresc și reflectez asupra acestei imagini deoarece mă face să conștientizez că suntem responsabili de păstrarea și conservarea frumuseții și echilibrului natural.

      Răspunde
    2. Andreea

      Fotografia pare să transmită o anumită melancolie sau nostalgie, datorită culorilor și luminii folosite. Autorul alege să surprindă un moment care poate fi interpretat diferit de fiecare privitor. Diversitatea posibilităților de interpretație a fotografiei poate fi motivul pentru care te oprești și reflectezi, încercând să descoperi mesajul ascuns sau emoțiile pe care autorul încearcă să le transmită. Este posibil ca fotografia să stimuleze amintiri sau să te provoace să te gândești la o anumită situație din trecut sau să te facă să simți o anumită emoție pe care nu ai putut să o exprimi în cuvinte.

      Răspunde
  2. Gabriela

    Ce înseamnă un „ochi de autor” într-o fotografie? Cum poate fi recunoscut și apreciat acest aspect?

    Răspunde
  3. Cristian Preda

    Ce anume te face să crezi că autorul este prezent în fotografia respectivă? Ce elemente sau tehnici fotografice te fac să crezi că aceasta poartă amprenta personală a autorului?

    Răspunde
Adăugați comentarii