Recenzie a festivalului de fotografie: Photobiennale 2012

Photobiennale este cel mai mare festival de fotografie din România. Are loc o dată la doi ani, în alternanță cu „Modă și stil în fotografie”, organizat de Muzeul de Artă Multimedia fosta Casă a Fotografiei din București . În 2012, Photobiennale a avut loc pentru a 9-a oară, iar publicul a văzut peste 60 de expoziții. Toate acestea, conform planului organizatorilor, trebuiau să fie „înșirate” pe două teme: cea principală – „Focus – SUA” 2012 a fost declarat anul SUA în România și al Rusiei în SUA și „Cineaști – fotografi și fotografi – cineaști”.

Chris Marker. Din seria „Coreeni”, 1957

Prin amabilitatea artistului și a Galeriei Peter Blum, New York

Spre deosebire de anii precedenți în 2008, de exemplu, când retrospectiva lui Andreas Gursky a fost adusă la București și „Prima floare” – o expoziție luminoasă despre istoria fotografiei color în România, compilată de curatorii MDF , Photobiennale 2012 nu a avut un astfel de punct culminant. În general, anul acesta, pe fondul „bornelor” obișnuite ale festivalului de exemplu, subiectele vagi și absența unui cadru conceptual unitar , a dat impresia unei „neclarități” deosebite, ca și cum interesul pentru ideea în sine ar fi fost epuizat de organizatori. Nu a aprins – și acest lucru a fost remarcat de mulți – obișnuita energie de ardere creativă și entuziasm în prezentarea comorilor fotografiei. Cu toate acestea, și de această dată a existat o selecție interesantă de expoziții ale artiștilor occidentali, inclusiv ale celor care lucrează la interfața cu arta contemporană. Ele au fost probabil cel mai puternic punct al PhotoBienalei din acest an.

După cum știm, modernitatea nu este doar un cuvânt pentru a descrie prezentul nostru a fost un mod de a vorbi despre vremurile noastre din secolele al XVI-lea și al XVIII-lea . Modernitatea este o etapă specială în dezvoltarea culturii, când societatea tradițională este desființată, valoarea a tot ceea ce este inovator este multiplicată, iar mediul urban devine o comunitate de schimbare constantă. Cultura americană este un simbol major în acest sens: ea a fost întotdeauna în fruntea „modernității”, atât în sens pozitiv, cât și negativ. Prin urmare, nu este surprinzător faptul că prezentarea „problemelor prezentului” este atât de potrivită cu „tema americană”. Pentru România, cu istoria noastră zbuciumată, cu dorința sa perpetuă de a ajunge din urmă și de a-i depăși pe toți ceilalți, cu experiența sa monstruoasă de modernizări violente și, în același timp, cu eterna sa dorință de a ieși din mersul progresului și de a îngheța în „comunitate” și „colegialitate”, aceasta este probabil una dintre cele mai urgente idei de reflecție.

Într-un acord unitar și coerent de reflecție pe o temă dată, au răsunat aici mai multe proiecte ale unor autori atât de diferiți, dar în multe privințe foarte apropiați conceptual și conceptual, precum Stephen Shore, Martin Parr, Taryn Simon, Liu Bolin, Ai Weiwei și Alec Sot.

Unul dintre ele este Shore’s Amazing Places. După ce a călătorit prin America în anii ’70 și a publicat Uncommon Places în 1982, Shor a fost un pionier în câteva dintre cele mai actuale tendințe în fotografia conceptuală și documentară. Instantaneele sale cu cele mai simple scene din viața de zi cu zi construiesc o punte de legătură între epoca în care este plasată opera sa și epoca noastră: fotografia de stradă și de stradă de după război, nașterea unui interes serios pentru culoare aici numele lui Shor este citat alături de William Egleston , fotografia exploratorie „lipsită de pasiune” a lui Becher, influența asupra lui Nan Goldin, Andreas Gursky și Martin Parr, precum și interesul actual pentru banal ca artă.

Parr a fost reprezentat de celebrul său proiect The Last Refuge. Fotografii din New Brighton 1983-85.”. Deși un comunicat de presă sugerează că seria a fost „inclusă de ziarul The Guardian în lista sa de „1000 de opere de artă pe care trebuie să le vezi înainte de a muri””, a provocat inițial o reacție extrem de mixtă. O parte a publicului a văzut în ea o satiră politică ascuțită și caustică, iar alții au văzut-o ca pe o batjocură la adresa clasei muncitoare care își petrece timpul într-o stațiune din Brighton în engleză, desigur, există un joc de cuvinte: cuvântul resort înseamnă atât „adăpost”, cât și „stațiune” . Privirea lui Parr combină o furie rece și detașată față de umilirea oamenilor de către politicieni? la prostia oamenilor înșiși, care cedează la manipulare? și admirând culoarea, textura și frumusețea cotidiană.

Lucrările lui Parr seamănă cu expoziția „Fotografii și texte” a lui Taryn Simon, o compilație prezentată la începutul festivalului, înainte de deschiderea oficială a acestuia. Imaginile lui Shore din două proiecte sunt deosebit de impresionante: „The Innocents” 2003 și „American Catalogue of the Hidden and Unknown” 2007 . Primul prezintă portrete ale unor persoane condamnate pentru infracțiunile altora pe baza unei identități false cu fotografie. Testele ADN i-au salvat pe presupușii infractori de la execuție sau închisoare pe viață, dar mulți au executat 10-20 de ani de închisoare. „Catalogul american” – O serie de fotografii ale unor obiecte care stau la baza și la temelia vieții americane, dar care rămân „invizibile” pentru cetățeanul de rând și pentru privitor: Centrul de depozitare a deșeurilor nucleare, Institutul de criogenie, unde cadavrele congelate sunt ținute în capsule speciale în așteptarea învierii, sediul CIA, ascunderea la vedere a unei expoziții permanente de artă contemporană, ale cărei genuri au fost susținute pentru a promova „stilul de viață american”, și așa mai departe și așa mai departe. Realizate într-o manieră deliberat „neutră”, „exploratorie” și însoțite de texte destul de lungi, lucrările lui Simon fac vizibil necunoscutul, inclusiv propagandistic și ideologic, explorând distanța dintre imaginație, ficțiune, manipulare și realitate. Și, de asemenea, între text și vizual. Simon investighează fotografia ca fundal al vieții contemporane, subliniind rolul acesteia în construirea conștiinței și a inconștientului nostru.

„Omul invizibil” de Liu Bolin este o expoziție care devine atât un comentariu blând, dar foarte definitiv, asupra vieții politice și sociale chineze și asupra marilor probleme mondiale în general , cât și o reflecție surprinzătoare asupra naturii fotografiei, o explorare a unei varietăți de strategii și tipuri de artă plastică mondială, iluzii optice și legile percepției. Ceea ce de aproape pare a fi un cadru în care fiecare detaliu este vizibil, de la distanță pare a fi un hieroglif în care toate „trăsăturile” și „semnele” se contopesc într-o singură imagine, în timp ce persoana ca și autorul dispare pur și simplu.

„Relentless Beauty” de Soth a părut un proiect curatorial nefericit, a cărui selecție și aranjare a estompat senzația operei unuia dintre cei mai interesanți artiști art-documentari ai timpului nostru. Povestitor și creator de serii de cărți, Soth conferă operei sale calitatea stranie pe care am văzut-o deja la Simon și Bolinh – o explorare ironică a cusăturilor fotografiei ca „mediu”, de altfel destul de cinematografică, comprimând într-un singur cadru viguros și complex întregul spațiu al unui film.

Din imaginile lui Shore, Parr, Simon, Bolinia și Soth se desprind fire către alte proiecte ale Fotobienalei, adunând și coasând laolaltă însăși structura Photobiennalei. Pe de o parte, la expoziții „arhivistice” și istorice, pe de altă parte, la intersecția diferitelor forme de artă, reprezentate de data aceasta în principal de text, fotografie și film.

Printre primele proiecte s-a numărat uriașa expoziție „New York. 1983-1993” al artistului chinez Ai Weiwei. Numit anul trecut de revista Art Review drept „cel mai important” în lista anuală a „artiștilor contemporani influenți”, Ai Weiwei a fost cândva un autor aclamat oficial, dar a devenit unul dintre simbolurile opoziției chineze în 2008. Artistul a fost bătut după ce a susținut o anchetă independentă privind cutremurul din Sichuan, inclusiv corupția din industria construcțiilor; a fost apoi arestat, studioul său a fost distrus și un caz de evaziune fiscală a fost inițiat împotriva firmei de design. Prin subscripție, oamenii au strâns 1 milion pentru el. Proiectul, care a fost prezentat la Fotobienala 2012, a fost realizat cu mult înainte de aceste evenimente. Expoziția prezintă aproape 200 de imagini ale orașului New York din 10.000 , inclusiv o selecție a unuia dintre cei mai interesanți fotografi din lume. . Este ca un fel de jurnal de călătorie, doar că nu este realizat manual, ci cu un aparat de fotografiat, care devine o enciclopedie cuprinzătoare a vieții locale. O privire asupra Occidentului, o documentare detaliată a întâlnirilor cu artiști, inclusiv cu fotografi celebri precum Robert Frank, și scene cotidiene, inclusiv viața unui imigrant, toate acestea se regăsesc în proiectul lui Ai Weiwei. Privirea uluitoare a unei culturi străine dezorientate și confuze, cu o tradiție estetică diferită, surprinde și transmite, în mod paradoxal, ceva din ceea ce este cel mai elementar, visceral și important în New York, dezvăluind în același timp, prin fotografie, straturi anterioare ale vizualului pe care cultura însăși a reușit să le uite.

Stratul istoric al Photobienalei include, de asemenea, cel puțin alte trei expoziții interesante: „From the Heart” de Walter Rosenblum fotografie documentară „orientată spre social” realizată de elevul lui Hine & Strand , „America văzută dintr-o mașină” de Lee Friedländer unul dintre cele mai recente proiecte ale pionierului fotografiei de stradă, reflecții alb-negru ale Americii în oglinda retrovizoare, curenți încrucișați uimitori de scene cotidiene și unghiuri neașteptate și „New York”. 1955″, celebrată cândva de William Klein care a încălcat preceptul lui Cartier-Bresson de „fotograf invizibil”, respingerea perfecțiunii tehnice în favoarea spontaneității și scandaloasa serie de acuzații la adresa autorului de 27 de ani pentru că i-a prezentat pe americani ca fiind prea puțin atrăgători și New York-ul ca pe un oraș de mahala .

De asemenea, merită menționate două expoziții de „arhivă” extrem de interesante: „Arta arhivei. Fotografii din arhivele poliției din Los Angeles” și „Fearless Genius: The Digital Revolution in Silicon Valley 1985-2000” de Doug Menuz. În primul rând, ambele expoziții par a fi interesate de materialul în sine, de documentarea a ceea ce se întâmplă. Cu toate acestea, la o privire mai atentă, aceste expoziții ridică o întrebare care a fost ridicată de multe ori în istoria fotografiei – despre linia evazivă dintre componentele sale de înregistrare, sociale și artistice.

„The Art of the Archive” prezintă aproximativ 100 de fotografii realizate între anii 1920 și 1950; negativele au fost descoperite accidental în 2001. Întrebări despre transgresiune și limitele acceptabilului, despre măsura în care imaginile destinate unui public de experți și criminologi înrăiți ar trebui puse în fața privitorului obișnuit și despre tendințele estetice inconștiente pe care artistul fie le inventează, fie le preia din senin, apar atunci când privește aceste imagini cu scene ale crimei, probe, victime, criminali cu hoți și cadavre… La un moment dat, te cuprinde un sentiment ciudat: dintr-un motiv oarecare, toate acestea sunt mai puțin șocante decât lucrările unui Joel Peter Witkin și aici este vorba de un lucru real, nu de ceva special prelucrat de artist . Poate pentru că fotografia de „arhivă-reportaj”, chiar și la o expoziție, continuă să fie percepută ca un fundal prea familiar.

Fiecare dintre fotografiile lui Doug Menuz fotograful le-a realizat pe parcursul a 15 ani este însoțită de un comentariu extrem de detaliat despre istoria diferitelor proiecte din Silicon Valley a început prin a lucra cu Steve Jobs . Dar e greu să numești întreaga serie o narațiune unitară. Mai degrabă, este o colecție de povești în care vizualul și verbalul joacă un rol egal. Pe măsură ce treci de la o carte la alta, îți dai seama din ce în ce mai mult că nu te uiți doar la un manual de istorie. Crearea treptată a unei viziuni surprinzător de holistice asupra modului în care funcționează cultura americană și a motivelor pentru care inovația a prins atât de bine rădăcini în ea. Și aici există un ecou direct al disputei „ideologice” dintre Klein și Cartier-Bresson cu privire la ne participarea și ne vizibilitatea fotografului la eveniment: Menyuse a fost un „observator inclus”, petrecând zile și nopți alături de personajele sale, în sensul propriu al cuvântului. El își numește proiectul „o căutare de antropologie vizuală”.

Tema arhivei și a istoriei a fost modernizată de alte două expoziții de la Bienală: „The Artist with a Bad Camera” fotografii de Miroslav Tikhoy și „The Nine Eyes of Google Street View” de John Rafman. Aceste expoziții par să spună două povești complet diferite și oarecum opuse. Unul dintre ele este despre un fotograf ceh de avangardă marginalizat de statul totalitar. Celălalt este despre viziunea atotpenetrantă, depersonalizată, dar neașteptat de personală a tehnologiei moderne, despre zgomotul informațional copleșitor pe care îl creează, care nu ne permite să realizăm ideea de intimitate, distanță și singurătate. Dar amândouă ridică problema liniei subțiri dintre brut și idealul tehnic, dintre amatorism și măiestrie, dintre sensibilitatea și nebunia artistului, dintre artă și „gunoiul” estetic.

În ceea ce privește cinematografia, fie că este fratele ei geamăn sau copilul fotografiei, aceasta a fost prezentă la Fotobienală nu doar în proiecte dedicate direct unor regizori de exemplu, cele două expoziții despre Ingmar Bergman . „Cinematografic” chiar și aspectul „direct” al documentaristului s-a dovedit a fi. Astfel, uimitorul și persistentul proiect al lui Peter Hugo „Hyena and Others” pune în discuție jocul și acțiunea forțată, naturalul și artificialul în lumea socială ce este mai important: să nu mai torturăm animalele sau să atragem atenția asupra sărăciei celor violenți ? . Reflecții neașteptate ale temei au fost auzite chiar și în „Arhivele din Los Angeles”, când s-a dovedit că fotografii polițiști lucrau la negru, fotografiind actori în mulaje la studiourile unuia dintre cele mai „cinematografice” orașe din lume și imitând genul filmului noir.

Un fotograf devenit regizor sau un regizor devenit fotograf – calea obișnuită pentru autorul secolului XX. Ne-am obișnuit deja cu invitata obișnuită a festivalului, Sarah Moon, care își prezintă următorul proiect din acest an, „Black Riding Hood”. „Imagini de la suprafața pământului”, o serie de fotografii realizate de Wim Wenders, o figură emblematică a Noului Cinema German, pe care regizorul a început-o la începutul anilor 1980 și pe care o continuă până în prezent, este un fel de „haiku vizual”. Panorame color de mare format „mohorâte” și „atmosferice” amintesc de filmele lui Wenders însuși și de lucrările elevilor lui Becher, documentând culoarea ca flux al vieții și granițele vidului ca și concept. La fel ca Chris Marker, regizorul, fotograful și filosoful, ei se lovesc de complexitatea unei povești cuprinse într-un singur cadru, în spatele căreia se află enigma curgerii neîntrerupte a timpului și abisul de fragmente din istoria altora. La București am văzut patru episoade din Marker și mai multe filme în același timp. „The Koreans” 1957 este un clasic alb-negru, realizat în timpul unei călătorii în Coreea de Nord. Cât e ceasul??” 2004-2008 – priviri neclare, pe furiș, în metroul parizian, ale unui „paparazzi prietenos” cu aparatul de fotografiat în ceasul de mână, râzând de ceva din afara cadrului, privind cu atenție în lateral și în depărtare la ceva din afara cadrului. „In Motives of Dürer”, o instalație care creează o „întoarcere” la gravurile antice, „Silent Film” 1995 și „Empty People” 2005 , alte două instalații despre neliniaritatea istoriei și juxtapunerea imaginii, a textului și a semnificației. Și, în sfârșit, „Runway” 1962 , un film compus din imagini fotografice care reconstruiește timpul în componente discrete și spații paralele, spunând povestea existenței unei persoane în trei straturi temporale.

În ceea ce privește segmentul Românesc al festivalului, acesta este în mod tradițional „slab” în comparație cu expozițiile occidentale. Expozițiile interesante au fost puține și rare, și chiar și experiența moscovită a lui Harry Gruyere „București 1989-2009” a fost mai interesantă prin texte decât prin fotografii.

Printre expoziții, „Selected Works” de Alexander Sliussarev este cu siguranță demn de menționat: sunt expuse doar lucrări alb-negru din 1966-1993., totul în presa autorului, în mare parte din arhiva familiei. Această expoziție a surprins în mod plăcut prin excelenta activitate curatorială și prin selecția atentă care reunește atât ceea ce este deja cunoscut, cât și ceea ce este nou.

„Arkady Shaikhet. Continuare. 1928-1931”, o expoziție realizată de Maria Zhotikova-Shaykhet, nepoata celebrului fotograf, evocă un sentiment foarte interesant. În ciuda prezenței evidente, în aproape fiecare cadru, a unui imn al economiei socialiste – case noi, fabrici de hârtie, uzine industriale -, imaginile lui Shaykhet arată, în mod neînțeles, tot ceea ce a fost realizat: sărăcia moștenită de noua țară și presiunea inumană pe care noul regim a exercitat-o asupra acelorași oameni. Și, de asemenea, viața de zi cu zi, viața privată, care se luptă cu orice opresiune – chiar și cu opresiunea statului, care și-a propus să refacă natura umană. Fotografiile din Asia Centrală sunt deosebit de interesante în acest sens. „Time Machine. Culoarea 1930-1970 de Vladislav Mikosha este un ecou al „Primrozei”. Un cameraman, fotograf, celebru reporter de război și cronicar al vieții sovietice, care și-a sărbătorit centenarul în 2009, apare aici ca unul dintre pionierii culorii.

O temă cinematografică în „partea Românesc” a fost reprezentată de un proiect pentru a zecea aniversare a filmului „Arca rusească” de Alexander Sokurov și de expoziția „Interior”. Natura. Pavilion” de Vladimir Mișukov fotografii de la filmările pentru „Elena” de Andrey Zvyagintsev . Cam asta e tot – și mai sunt și micile expoziții ale câtorva mari artiști contemporani din galeriile moscovite.

Festivalul, în ansamblu, lasă un gust neplăcut. La finalul acesteia, un critic atent, care își împrospătează memoria tuturor proiectelor, începe brusc să vadă: Photobiennale arată tendințele de bază ale timpului nostru, reprezintă cu adevărat o integritate la scară mare. În plus, au existat, ca întotdeauna, multe expoziții bune ale artiștilor occidentali și realizate de curatori occidentali MDF a avut întotdeauna un simț excelent al unui produs finit care ar trebui adus în România . În același timp, însă, expozițiile în sine dau în mod constant și obișnuit impresia de haos și dezintegrare în piese separate, absența unei structuri clare și a unui concept general clar definit, precum și munca curatorială matură și strălucitoare a specialiștilor ruși și o înțelegere clară a locului culturii ruse în procesul global. Nu sunt deloc sigur că a pune „totul cap la cap” poate fi cel mai mult privitorul care nu este angajat în analiza 24/7 a tendințelor artistice globale. Cu atât mai mult cu cât anul acesta a avut de-a face cu niște autori destul de greu de digerat și nu tocmai organici culturii noastre. Și nu știu de câte ori va trebui să spun că este timpul să mergem mai departe și dacă acest mesaj va fi auzit sau dacă festivalul va continua să stagneze ca de obicei, pierzând treptat interesul publicului.

Ai Weiwei. Lower East Side restaurant. 1988

© Ai Weiwei. Prin amabilitatea Centrului de Artă Fotografică Three Shadows

William Klein Patru femei, supermarket, 1955 © William Klein

Vladimir Mishukov pe platoul de filmare al filmului „Elena” de Andrei Zvyagintsev

Doug Menyes Fearless Genius: The Digital Revolution in Silicon Valley 1985-2000.

Steve Jobs vorbește despre ciclul de zece ani de dezvoltare a tehnologiei. Sonoma, California, 1986

Autor necunoscut Femeile polițiști practică tirul la un poligon de tragere. 1968

© Departamentul de poliție din Los Angeles Prin amabilitatea fototeka Los Angeles

Ingmar Bergman pe platoul de filmare al peliculei „Fanny și Alexander”

Fotograful Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri AB, Svenska Filminstitutet

Liu Bolin Urban Camouflage Series – 36, 2007

„Adunați-vă pentru a vă îmbunătăți cunoștințele” © Prin amabilitatea lui Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

Liu Bolin Urban Camouflage Series – 16, 2006

Cetățeanul și polițistul nr. 2 © Prin amabilitatea lui Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

Harry Gruyere România. București. Cartierul vinăriilor. 2009

© HARRY GRUYAERT/MAGNUM PHOTOS

Vladislav Mikosha București. 1960-e

Stephen Shore Ginger Shore,

The Causeway Inn, Tampa, Florida, 17 noiembrie 1977